Art cubain — Wikipédia

art cubain c'est un mélange culturel exceptionnellement diversifié d'éléments africains, sud-américains, européens et nord-américains, reflétant la composition démographique diversifiée de l'île. Les artistes cubains ont embrassé le modernisme européen et la première partie du 20e siècle a vu une croissance des mouvements d'avant-garde cubains, caractérisés par le mélange des genres artistiques modernes. Parmi les artistes cubains les plus célèbres du XXe siècle, citons Amelia Peláez (1896-1968), surtout connue pour une série de projets muraux, et le peintre Wifredo Lam (8 décembre 1902 – 11 septembre 1982), qui a créé un très version personnelle. du primitivisme moderne. Le peintre d'origine cubaine Federico Beltran Masses (1885-1949) était reconnu comme un coloriste dont les représentations séduisantes de femmes faisaient parfois ouvertement référence aux décors tropicaux de son enfance.

Le travail du photographe Alberto Korda est mieux connu à l'échelle internationale, dont les photographies prises après les premiers jours de la Révolution cubaine comprenaient une image de Che Guevara qui allait devenir l'une des images les plus reconnaissables du XXe siècle.

Il existe un mouvement d'art de rue florissant influencé par les artistes latino-américains José Guadalupe Posada et le muraliste Diego Rivera.

Après la révolution cubaine de 1959, certains artistes ont estimé qu'il était préférable pour eux de quitter Cuba et de produire leur art, tandis que d'autres ont été laissés pour compte, heureux ou simplement satisfaits de créer de l'art à Cuba, qui était parrainé par le gouvernement. Parce qu'il était parrainé par l'État, il y avait une censure implicite, car les artistes ne voulaient pas faire de l'art contre le mouvement révolutionnaire, car c'était la source de leur financement. C'est au cours des années 1980 que l'art a commencé à refléter une véritable expression sans influences. La « renaissance » de l'expression dans l'art cubain a été grandement affectée par l'émergence d'une nouvelle génération de Cubains, qui ne se souvenaient pas directement de la révolution.^(un)

En 1981, les Cubains ont assisté à la présentation de "Volumen Uno", une série d'expositions individuelles d'artistes cubains contemporains. Trois ans plus tard, l'introduction de la "Biennale de La Havane" a contribué à une nouvelle progression de la libération de l'art et de la liberté d'expression.^(deux)

Époque coloniale(Éditer)

Pendant la majeure partie de ses 400 ans sous domination espagnole, Cuba et plus particulièrement La Havane ont servi de centre principal de l'empire espagnol dans les Amériques, avec une population de marchands, d'administrateurs et de professionnels intéressés à soutenir les arts. Au XVIe siècle, des peintres et des sculpteurs commencèrent à arriver d'Europe pour décorer les églises et les édifices publics cubains. Au milieu des années 1700, des artistes autochtones travaillant dans la tradition européenne étaient actifs à Cuba.⁽³⁾⁽⁴⁾

Ouais ouais, José Nicolás de Escalera, ca. 1770. Collection du Musée national des beaux-arts, La Havane.

Le premier d'entre eux à laisser une œuvre substantielle et identifiable fut José Nicolás de la Escalera (1734 – 1804). Bien que manquant pour la plupart d'originalité, ses scènes religieuses, en particulier celles qui décorent le dôme et l'autel de l'église de Santa María del Rosario près de La Havane, sont spectaculaires et comprennent les premières représentations artistiques d'esclaves noirs cubains.⁽⁵⁾⁽³⁾

Vicente Escobar (1762-1834) était un demi-sang dont l'habileté en tant que portraitiste l'a rendu populaire auprès de l'élite cubaine.⁽⁶⁾ Bien qu'il n'ait lui-même eu aucune éducation artistique formelle, il a ouvert ce qui était peut-être le premier studio / atelier de peinture de Cuba, et a ensuite obtenu son diplôme avec les honneurs de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando à Madrid. Son portrait était fermement dans le style européen classique, mais avait une fraîcheur et une énergie distinctives.^(sept)

Une révolte des esclaves qui a culminé avec la déclaration d'indépendance d'Haïti voisin en 1804 s'est avérée inattendue pour Cuba, alors que les propriétaires de plantations de réfugiés et leurs esclaves se sont déplacés vers la partie orientale sous-développée et dépeuplée de l'île. Cependant, le succès du soulèvement des esclaves de Toussaint et Dessalines a semé une anxiété intense dans toute la Caraïbe, et une réponse a été la croissance de manières – des visions réalistes mais romancées de la vie quotidienne – dans l'art cubain.⁽⁴⁾

Types et coutumes de l'île de Cuba, Victor Patricio Landaluze, 1881.

L'un des premiers artistes éminents de ce genre était l'Espagnol Victor Patricio de Landaluze (1830-1889), dont les peintures représentaient la vie dans les plantations comme brute mais essentiellement naturelle et harmonieuse. Ses caricatures politiques pour le magazine Les Almendares il adopte une vision plus satirique de l'« aristocratie créole » urbanisée. En opposition à l'indépendance cubaine, Landaluze est finalement tombé en disgrâce auprès du public, mais son travail reste apprécié pour capturer l'atmosphère et les attitudes de son temps.^(8)(3)(4)

Le 11 janvier 1818, l'École nationale des beaux-arts (dite « Academia San Alejandro », en l'honneur d'un important fondateur/bienfaiteur) est établie à La Havane, sous la direction du français Jean Baptiste Vermay (1786 – 1833) . La plus ancienne académie d'art d'Amérique latine, c'est le deuxième plus ancien établissement d'enseignement supérieur de Cuba, après l'Université de La Havane. Jusqu'à nos jours, il a produit plusieurs des artistes les plus importants de Cuba.⁽⁹⁾

À la fin du XIXe siècle, la peinture de paysage était devenue populaire, avec des artistes tels que Miguel Arias Bardou, Guillermo Collazo, José Abreu Morell et José Joaquín Tejada créant des scènes mettant en vedette l'environnement naturel luxuriant de Cuba. Malgré le contenu bénin de leur travail, de nombreux artistes (peut-être le plus éminent, Collazo) étaient de fervents partisans de l'indépendance cubaine, et certains ont été contraints à l'exil.

En 1898, les quatre siècles de domination espagnole sur Cuba ont pris fin lorsque les troupes américaines sont intervenues aux côtés des combattants rebelles. L'indépendance, cependant, s'est avérée illusoire, les États-Unis contrôlant la politique étrangère de Cuba et une grande partie de son économie.^(dix) tandis que les présidents hommes forts n'ont pas fait grand-chose pour promouvoir la liberté et la démocratie. Les artistes du début de l'ère républicaine ont continué comme avant, peignant des paysages et des scènes de la vie cubaine dans le style européen traditionnel, certains d'entre eux avec de légères touches d'impressionnisme. Beaucoup, comme Antonio Sánchez Araujo, Armando Menocal, Antonio Rodríguez Morey, Domingo Ramos Enríquez et Leopoldo Romañach, sont devenus instructeurs ou administrateurs à l'Académie San Alejandro et d'autres institutions artistiques. Les mouvements modernistes qui ont bouleversé l'art européen au début du XXe siècle ont d'abord eu peu d'impact sur le monde académique fermé de l'art cubain contemporain.⁽³⁾

Artistes d'avant-garde(Éditer)

À la fin du XIXe siècle, les paysages dominent l'art cubain et le classicisme reste le genre préféré.^(Onze) Les mouvements artistiques radicaux qui ont transformé l'art européen au cours des premières décennies du siècle sont arrivés en Amérique latine dans les années 1920 pour faire partie d'un vigoureux courant d'innovation artistique, culturelle et sociale.⁽³⁾

Voulez-vous plus de café Don Nicolas ?, Antonio Gattorno, ca. 1938.

À la fin des années 1920, les artistes d'avant-garde avaient rejeté les conventions de l'Académie nationale des arts de Cuba, l'École nationale des beaux-arts de San Alejandro, à La Havane, que la plupart d'entre eux avaient fréquentée. Dans leurs années de formation, beaucoup avaient vécu à Paris, où ils ont étudié et assimilé les principes du surréalisme, du cubisme et du primitivisme moderniste. Le modernisme a fait irruption sur la scène cubaine dans le cadre du mouvement critique pour la régénération nationale qui a émergé en opposition à la dictature de Gerardo Machado, au contrôle néo-colonial américain et à la crise économique qui en a résulté.⁽¹²⁾ Ils sont retournés à Cuba engagés dans de nouvelles innovations artistiques et désireux d'embrasser le patrimoine de leur île. Ces artistes sont devenus de plus en plus politiques dans leur idéologie, considérant les pauvres des zones rurales comme des symboles de l'identité nationale contrairement à l'élite dirigeante de Cuba après l'indépendance. Le leader de l'avant-garde Eduardo Abela, un peintre qui a étudié à Paris, était typique du mouvement. Il a découvert sa patrie Cuba depuis l'étranger, apparemment motivé par un mélange de distance et de nostalgie. À son retour, Abela est entré dans une période de travail très productive. Ses peintures murales de la vie cubaine ont été complétées par des caricatures qui sont devenues des critiques sociales de la vie cubaine sous le régime autoritaire de Machado.⁽¹³⁾

Les pionniers du mouvement étaient Abela, Antonio Gattorno, Víctor Manuel, Fidelio Ponce de León et Carlos Enríquez Gómez. Nés au tournant du siècle, ces artistes ont grandi au milieu de la tourmente de la construction d'une nouvelle nation et ont atteint la maturité lorsque les Cubains se sont mis à découvrir et à inventer une identité nationale. Ils partageaient pleinement le sentiment de confiance, de renouveau et de nationalisme qui caractérisait les intellectuels progressistes cubains du deuxième quart du 20e siècle.

Antonio Gattorno (1904 – 1980) et Eduardo Abela (1889 – 1965) ont été les premiers peintres de leur génération à adapter l'art moderne européen et mexicain à l'interprétation de leurs thèmes cubains. Ils trouvèrent également dans la franchise et l'idéalisation de la peinture du début de la Renaissance un modèle efficace pour l'expression des thèmes cubains. Les images créoles de ces peintres, malgré toutes leurs différences, partageaient une vision primitiviste moderne de Cuba comme une terre rurale exotique, intemporelle, habitée par des gens simples et sensuels, mais aussi tristes et mélancoliques. Bien qu'enracinée dans l'environnement naturel et culturel de Cuba, la vision de le cubain (le Cubain) était très loin de la réalité historique contemporaine. Au lieu de cela, il était basé sur une conception idéale de la patrie qui avait été une composante du nationalisme et de l'art cubains depuis le 19ème siècle.⁽³⁾

Cette vision idéalisée figurait fortement dans les portraits et les paysages de Victor Manuel (1897-1969), qui fut particulièrement impressionné par les œuvres de Paul Cézanne et Paul Gauguin lors de ses deux séjours relativement courts à Paris. Diplômé de San Alejandro avec une grande maîtrise du dessin et de la composition, Manuel a choisi d'appliquer la simplicité primitiviste à ses sujets cubains – l'un des favoris est le visage féminin – et a mis en évidence des qualités de mélancolie et de force, comme en témoignent La gitane tropicale (La gitane tropicale, 1929), considérée par la critique comme l'une des pièces maîtresses de l'art d'avant-garde cubain.^(3)(14)

L'accent mis par Carlos Enríquez (1900 – 1957) et Fidelio Ponce (1895 – 1949) sur les thèmes du changement, de la transformation et de la mort a eu un impact durable sur l'art cubain.^(quinze) Enríquez et Ponce représentent deux approches de la mort : la première marquée par une fuite et une émotion exubérantes ; la seconde pour la contemplation capricieuse. Si Enríquez a peint le délire après le triomphe du siège, Ponce a peint le prélude à la douleur. Enriquez était un peintre autodidacte issu d'une famille aisée, tandis que Ponce, bien qu'il ait fréquenté l'Académie San Alejandro, a passé sa vie dans la pauvreté. Ce que ces deux peintres d'avant-garde les plus originaux et distinctifs avaient en commun – à part de graves problèmes d'alcoolisme – était le fait qu'aucun d'eux n'avait étudié en Europe.⁽³⁾

Au début de 1927, des expositions individuelles ont eu lieu pour Víctor Manuel et Antonio Gattorno à l'Association des peintres et sculpteurs de La Havane, suivies en mai par le Première nouvelle exposition d'art, une émission collective mettant en vedette principalement des modernistes cubains. Trompé par le magazine d'avant-garde Magazine avancéCes spectacles bien reçus ont été des étapes importantes vers l'acceptation de l'art moderne à Cuba.⁽³⁾

Les maîtres de la première génération du modernisme cubain ont préparé le terrain pour la prédominance de certains thèmes qui régiront l'art cubain après 1930, et qui auront des degrés d'impact différents sur les générations qui émergeront plus tard entièrement en exil après 1960. Entre 1934 et 1940, et encore sous le choc du renversement de Machado, Cuba a cherché son identité culturelle dans ses racines européennes et africaines. Le paysage, la flore, la faune et la tradition de l'île, ainsi que ses paysans, la base souvent négligée de l'âme et de l'économie de Cuba, ont émergé dans son art.^(quinze)

Wifredo Lam (1902-1982), un Cubain d'origine chinoise, espagnole et africaine, avait peu de relations directes avec l'avant-garde de La Havane, mais appartenait à la même génération et avait des motivations et des expériences similaires avec son art. Après avoir fréquenté l'Académie San Alejandro, il a d'abord suivi la voie plus traditionnelle des études à Madrid et a vécu et travaillé en Espagne pendant de nombreuses années. Après avoir servi dans la guerre civile espagnole, il s'est enfui à Paris, où il est tombé sous l'aile de Pablo Picasso, qui a piqué l'intérêt de Lam pour la sculpture africaine. Lam se lie également d'amitié avec le poète et philosophe surréaliste André Breton. De retour à Cuba en 1941 après deux décennies à l'étranger, Lam était ravi, choqué et puissamment inspiré par sa patrie. Elle a rapidement développé son style mature, qui incorporait des éléments du cubisme, du surréalisme et de l'art africain, ainsi que des images des rituels de la Santeria dans lesquels elle avait grandi. En 1943, il peint La jungle, considéré comme l'un des chefs-d'œuvre de l'art cubain.^{(seize)(4)(3)}

Amelia Peláez (1896 – 1968) était la seule grande artiste féminine de l'Avant-garde. Diplômée de San Alejandro, elle étudie et travaille plusieurs années à Paris, où, avant son retour à La Havane en 1934, elle absorbe l'influence d'Henri Matisse et, surtout, le cubisme de Pablo Picasso et de Georges Braque. Au cours de sa longue carrière, il a travaillé dans une variété de médias, y compris la peinture, la céramique et la mosaïque, et a exploré une variété de thèmes et de thèmes, mais qu'il ait créé ses natures mortes abstraites ou ses célèbres peintures murales publiques à grande échelle, son travail Il utilisait constamment des couleurs vives et une composition élaborée, ainsi que des représentations de la flore tropicale de Cuba et des motifs architecturaux coloniaux espagnols omniprésents de La Havane. Pourtant, malgré toute son énergie colorée, le critique français Francis de Miomandre percevait dans son œuvre « un monde clos, complètement énigmatique, hanté par un silence énigmatique ». Elle, Lam et Enriquez sont désormais considérés comme les stylistes les plus distinctifs et définitifs de l'art cubain.^(3)(17)(4)

En 1935, l'Avant-garde a été reconnue à Cuba comme une force culturelle importante et a commencé à attirer une attention internationale considérable. De grandes expositions d'art cubain moderne ont eu lieu aux États-Unis et dans toute l'Amérique latine à la fin des années 30 et dans les années 40. A écrit Albert H. Barr, Jr., organisateur du Peinture cubaine moderne exposition au Museum of Modern Art de New York en 1944, "Nous pouvons être reconnaissants pour cette exubérance insouciante, cette joie, cette franchise et cet amour de la vie que les peintres cubains affichent peut-être plus que les artistes de toute autre école."⁽³⁾

L'art cubain moderne a finalement été vu à Paris, en France, lors d'une exposition au Musée national d'art moderne en 1951.⁽³⁾

Les artistes eux-mêmes voyaient peu d'avantages matériels à l'intérêt accru pour l'art cubain moderne. Des prix d'achat occasionnels étaient remis, comme au premier Salon national de peinture et de sculpture en 1935, mais il n'y avait pas de système de mécénat cohérent et les commandes pour les avant-gardes cubaines étaient rares. La plupart vivaient d'emplois d'enseignement et commerciaux mal payés ; quelques-uns, comme Enríquez et Peláez, vivaient grâce à leur famille, et certains, comme Ponce et Manuel, vivaient dans la pauvreté.⁽³⁾ Le seul d'entre eux à avoir finalement obtenu des prix élevés pour son travail de son vivant était Wifredo Lam.^(seize)

D'autres artistes notables de l'avant-garde d'origine étaient Jorge Arche, Marcelo Pogolotti, Arístides Fernández, Rafael Blanco, Domingo Ravenet, Alberto Peña et Lorenzo Romero Arciaga. Le deuxième Salon national de peinture et de sculpture de 1938 a mis en scène une deuxième génération d'artistes modernes qui comprenait Cundo Bermúdez, Mario Carreño, Rita Longa, Alfredo Lozano, Luis Martínez-Pedro et René Portocarrero.⁽³⁾

À la fin des années 1940, la première génération d'artistes d'avant-garde s'est dispersée, suivant leurs carrières individuelles. Lam a eu beaucoup de succès et a vécu principalement à Paris après 1952.^(seize) Arche, Fernández et Peña sont morts jeunes; Enriquez et Ponce ont obtenu une certaine reconnaissance internationale avant de mourir à l'âge mûr. D'autres, comme Gattorno et Pogolotti, ont quitté Cuba et ont pris leur art dans des directions complètement nouvelles ; Encore plus émigré après la Révolution cubaine de 1959, qui a laissé les artistes cubains isolés des développements artistiques et des marchés aux États-Unis et en Europe. Plusieurs, comme Peláez, Abela et Manuel, ont continué à produire des œuvres à Cuba.⁽³⁾

Les artistes d'avant-garde ont reçu une reconnaissance internationale en 2003 avec le Peinture cubaine moderne exposition au Museum of Modern Art de New York, puis à Paris.⁽¹⁸⁾ Les artistes cubains modernes continuent de faire un travail important dans cette tradition, notamment Juan Ramón Valdés Gómez (appelé Yiki) et José Toirac.

Art naïf(Éditer)

Selon les critiques d'art européens et nord-américains, l'art naïf est souvent reconnu pour sa fraîcheur enfantine et ses qualités d'amateur.⁽¹⁹⁾ tels que le manque de perspective précise, peu ou pas de modélisation et une coloration audacieuse.^(vingt) Il est généralement reconnu que les artistes travaillant dans ce style privilégient un style d'art plus "primitif" ou "populaire".^{(vingt-et-un)} Le terme naïf en lui-même peut être problématique ; Signifiant généralement qu'un artiste est autodidacte, il a été utilisé dans le passé par des artistes universitaires ou critiques comme un terme péjoratif, car les artistes naïfs ont tendance à ignorer les règles de base de l'art. Malgré leur mépris des conventions académiques, les artistes naïfs sont souvent assez sophistiqués dans leurs formes personnelles d'expression artistique.

Les couleurs utilisées dans l'art naïf cubain sont particulièrement vives, les artistes utilisant les teintes vibrantes de leur maison tropicale pour présenter une vision idéalisée de la vie rurale, avec des références spirituelles au catholicisme et à la Santeria. Oriches (divinités), légendes et autres aspects de la culture afro-cubaine, passée et présente. Ce style d'art naïf dépeint la vision du monde typiquement cubaine consistant à profiter de la vie malgré ses difficultés.^(vingt)

Dans les années 1950, le tourisme américain à Cuba a créé une forte demande d'art pittoresque et folklorique, entraînant une augmentation de la production de ce qui est devenu connu sous le nom d'« art touristique », dont la plupart ont été classés comme naïfs.⁽²²⁾ À l'époque, cet art était perçu comme une « forme d'expression rétrograde, barbare et crue qu'il faut balayer » plutôt que comme une représentation authentique d'une culture vivante.⁽²³⁾ Après la Révolution cubaine de 1959, les activités éducatives, culturelles et artistiques ont été encouragées, et les artistes ont pu fréquenter les écoles d'art d'accès gratuit du pays (Écoles nationales d'art-Maintenant connu sous le nom Institut Supérieur d'Art). Même ainsi, que ce soit en raison de l'isolement physique ou du désintérêt pour le monde de la peinture académique, un grand nombre d'autodidactes sont restés. Naïve ou Spontané peintres. Beaucoup de ces artistes se sont réunis pour former le Mouvement des artistes populaires au début des années 1960. Bien que cet effort de coopération et d'autres se soient estompés au cours des décennies suivantes, les artistes eux-mêmes ont continué à peindre.⁽²⁴⁾

En raison de la fierté nationale cubaine dans la réussite scolaire et la formation artistique, il avait été considéré comme dégradant d'être appelé un artiste naïf dans les premières années après la Révolution. Étant donné que le gouvernement ne reconnaissait généralement pas les artistes naïfs comme artistes professionnels, la communauté artistique en général ne les prenait pas au sérieux et les harcelait parfois, car le gouvernement cubain affirmait que leurs ventes d'art étaient des activités illégales.⁽²⁵⁾ Cependant, à la fin du 20e siècle, cette attitude a commencé à changer.

En 1997, Sandra Levinson, directrice exécutive de l'Art Space Center for Cuban Studies à New York, a organisé L'art naïf à Cuba, une exposition unique au Metropolitan Arts Center présentant l'art de quatorze artistes cubains naïfs, en plus des huit membres du Groupe Bayate collectif d'artistes de Mella, Santiago de Cuba. Ces artistes ont été découverts lors d'un voyage à Cuba en 1996 par Levinson, Olga Hirshhorn et d'autres, qui ont parcouru l'île à la recherche d'exemples de ce style d'art, si peu connu auparavant aux États-Unis.^(vingt)

Le patron officieux de Groupe Bayate est Luis Rodríguez Arias (né en 1950), boulanger de profession. Il est connu comme le maître pour le différencier de son fils, l'artiste Luis Rodríguez Ricardo (né en 1966), qui se fait appeler l'étudiant. Tous deux étaient représentés au Art naïf de Cuba exposition qui s'est déroulée du 11 septembre au 10 octobre 1997.^(vingt)

Louis L'étudiant Rodríguez est l'un des peintres naïfs cubains les plus en vue. Il a commencé à peindre à l'âge de dix-huit ans ; il a décrit sa première peinture, de la maison d'une petite amie, comme « horrible.⁽²⁶⁾ Après avoir servi dans l'armée et travaillé dans la construction, il a été affecté aux travaux agricoles pendant la "période spéciale" de Cuba. Au cours de ces années, il a commencé à travailler avec la sculpture comme moyen de compléter ses revenus, puis il est revenu à la peinture quelques années plus tard.⁽²⁷⁾ Comme la plupart des artistes naïfs, il trouve l'inspiration pour son travail dans les expériences de sa vie quotidienne – les rituels religieux et les événements et les personnes de sa communauté. Ayant grandi dans un quartier de familles majoritairement haïtiennes, elle est bien consciente de leurs luttes ; parfois, il qualifie son travail de « controversé ».⁽²⁷⁾ En janvier 1997, l'étudiant a réalisé une exposition personnelle dans la plus grande et la plus prestigieuse galerie de Santiago de Cuba, Oriente, et continue de participer aux expositions réalisées par Groupe Bayate. En juin 2002, son travail a été décrit comme "sauvage et coloré et empilé comme un train aux heures de pointe" dans un New York Times article intitulé "Les Cubains exaltés gagnent beaucoup avec peu",⁽²⁸⁾ ce qui parle aussi du succès sur le marché de l'art de son style naïf.

Un autre artiste présenté au Metropolitan Arts Center 1997 Art naïf de Cuba L'exposition était Julián Espinoza Rebolledo, également connu sous le nom de Wayacón. Né en 1931 (bien que sa naissance n'ait été enregistrée qu'en 1941, ce qui le rend "officiellement" 10 ans plus jeune qu'il ne l'est réellement), Wayacón a commencé à peindre dès son plus jeune âge. Cet artiste autodidacte, qui n'a fréquenté l'école que jusqu'en troisième année, est resté constructeur, auditeur des cours à l'académie cubaine quand il était plus âgé. Dans les années 1950, il rejoint le groupe d'artistes Signos et participe à leurs premières expositions au Japon et en Suisse.⁽²⁹⁾ Bien qu'admirateur de Miró, Chagall, Degas et Picasso, ses plus grandes inspirations viennent de l'observation de la pratique de la religion de la Santeria.⁽³⁰⁾ Beaucoup de ses peintures montrent son influence, contenant des couleurs vives et des images religieuses, avec une qualité presque hallucinogène.^(vingt)

L'artiste le plus naïf de Cuba est José Rodríguez Fuster, dit Fuster. En plus de ses peintures et dessins, au fil des ans, il a transformé le quartier pauvre de Jaimanitas, La Havane, en un paysage urbain magique et onirique, profitant de son expérience de potier pour créer une atmosphère évocatrice du célèbre parc Güell d'Antoni. Gaudí à Barcelone. Il y a un parc d'échecs, avec des échiquiers et des tables géantes, des maisons décorées individuellement avec des peintures murales et des dômes ornés, une foule de coqs géants, des gauchos, des figures religieuses afro-cubaines installées à l'entrée de nombreuses maisons, un théâtre Fusterized, des places publiques et un grande fresque murale. .

L'art primitif et extérieur de Corso de Palenzuela (né à La Havane, vers 1960), peintre autodidacte d'origine séfarade, puise dans une riche veine de mémoire pour son matériau original, représenté dans un paysage cubain très personnel. Bien qu'il ait immigré aux États-Unis avec sa famille à l'âge de huit ans, ses lieux de travail vivants et colorés mettent l'accent sur la mise en valeur du riche patrimoine culturel de son pays natal.⁽³¹⁾

Bien que techniquement pas un artiste naïf, Manuel Mendive est peut-être le représentant le plus important de l'afro-cubanisme contemporain dans les arts visuels. Né en 1944 dans une famille pratiquant la Santeria, il est diplômé de la prestigieuse Académie des Arts Plastiques San Alejandro à La Havane en 1962 avec les honneurs en sculpture et en peinture.

Peu d'artistes naïfs ont été représentés aux Salones de Arte Contemporáneo ou à la Biennale de La Havane. Cependant, avec l'intérêt croissant pour le genre, il y a, à partir de 2015, un nombre croissant d'artistes académiques qui ont commencé à peindre dans ce style, avec une plus grande représentation pour tous.⁽³²⁾

L'art dans le Cuba post-révolutionnaire(Éditer)

Dans les années 1960, les conséquences de la révolution cubaine ont apporté de nouvelles restrictions, provoquant un exode d'intellectuels et d'artistes. Le nouveau régime exigeait « une pratique de la culture en tant que propagande idéologique, associée à un nationalisme stéréotypé ».⁽³³⁾ Bien que les politiques gouvernementales, motivées par des ressources limitées, une expression artistique limitée, elles ont élargi, grâce à l'éducation et aux subventions, le nombre de personnes pouvant pratiquer l'art, faisant tomber les barrières par la démocratisation et la socialisation. L'influence croissante de l'Union soviétique dans les années 1960 et 1970 a eu un impact sur la culture cubaine, mais le gouvernement cubain n'a pas égalé l'URSS dans son degré de contrôle sur les arts.⁽³³⁾

Affiche de Ché, 1968, conçue par Alfredo Rostgaard, d'après une photographie d'Alberto Korda. L'affiche a été distribuée dans le magazine OSPAAAL. Tricontinental.

Dans les années 1960, des agences gouvernementales telles que la Commission d'orientation révolutionnaire (la division éditoriale du Parti communiste cubain, rebaptisée plus tard Editora Política (EP)) et l'OSPAAAL ont commencé à produire des affiches à des fins de propagande. Beaucoup d'entre eux utilisaient des caractéristiques de conception soviétiques stéréotypées, mais même certains des premiers échantillons montraient des allusions au style cubain à travers un design graphique coloré et inventif, et à la fin des années 1960, l'art graphique cubain était à son apogée. Bien qu'ils produisaient encore essentiellement de la propagande, des artistes tels que René Mederos, Raúl Martínez, Alfredo Rostgaard et Félix Beltran créaient des œuvres vives, puissantes et très distinctives qui ont eu une influence mondiale sur le design graphique.^(3.4)(35)

Une image couramment utilisée par les graphistes cubains était "Guerillero Heroica", une photographie de Ché Guevara prise par Alberto Korda (né à La Havane, 1928 – décédé à Paris, 2001). La photo candide d'un Guevara épuisé et grincheux, prise en mars 1960 lors des funérailles des victimes de l'explosion d'un navire de munitions dans le port de La Havane, est devenue l'une des images les plus emblématiques au monde. Finalmente fue alterado y adaptado para todo, desde envoltorios de goma de mascar hasta una escultura de hierro conmemorativa de 90 pies de altura en la Plaza de la Revolución de La Habana. Korda fue un fotógrafo de moda popular que se convirtió en un devoto revolucionario y compañero cercano de Fidel Castro, tomando miles de fotografías de los viajes de Castro y la transformación de Cuba.^(36)(37)

Los cubanos seguían decididos a reforzar una identidad cubana arraigada en su propia cultura, como lo ejemplifica el trabajo de Grupo Antillano.⁽³⁸⁾ La asimilación o síntesis simultánea de los principios del arte occidental moderno y el desarrollo de las escuelas y movimientos de arte afrocubano crearon una nueva cultura cubana.^{(cita necesaria)} El arte proliferó bajo los programas estatales de patrocinio y empleo durante este período posrevolucionario; los programas politizaron el contenido artístico e inspiraron confianza en el pueblo en el marco del nacionalismo reinventado de Cuba. Nelson Domínguez y Roberto Fabelo pasaron de la abstracción y el neoexpresionismo de la década de 1950 a inmortalizar al proletariado, agricultores, trabajadores y soldados, sin dejar de utilizar muchas de las técnicas que aprendieron bajo la tutela de Antonia Eiriz Vázquez. Al combinar el nacionalismo con la politización del arte, los artistas mantuvieron un nivel de libertad que continúa inspirando innovación.^{(cita necesaria)}

El Salón de Mayo fue una exposición de arte realizada en La Habana en julio de 1967. Organizada por Carlos Franqui, presentó obras de más de un centenar de artistas y representó escuelas rivales del arte del siglo XX: los primeros modernistas (Picasso, Miró, Magritte); la próxima generación (Lam, Calder, Jacques Hérold, Stanley Hayter); y posguerra (Asger Jorn, Antonio Saura, Jorge Soto.⁽³⁹⁾ Representó el punto culminante de la libre expresión artística en la década posterior a la revolución.⁽⁴⁰⁾

El nuevo arte(editar)

Las décadas de 1960 y 1970 vieron la introducción del arte conceptual, cambiando el énfasis de la artesanía a las ideas. Esto a menudo significó la eliminación de objetos en la producción de arte; sólo se expresaron o discutieron ideas. Requería un mayor nivel de participación por parte del patrocinador (participación interactiva o un conjunto de instrucciones a seguir). El arte conceptual, el minimalismo, el arte de la tierra y el arte de performance se mezclaron para expandir la definición misma de arte.⁽⁴¹⁾

A fines de la década de 1970, muchos de los graduados de la escuela de artes en Cuba, "la Facultad de Artes Plásticas del Instituto Superior de Arte" (fundada en 1976) iban a trabajar como maestros de escuela, enseñando arte a jóvenes cubanos en todo el país. isla. Esto proporcionó una plataforma para que los graduados enseñen a los estudiantes sobre la libertad de expresión en el medio, el mensaje y el estilo del arte. Fue este nuevo nivel de experimentación y expresión lo que permitiría el movimiento de los años ochenta.⁽²⁾

En Cuba, estos nuevos desarrollos se sintetizaron naturalmente a través de la sensibilidad afrocubana y surgieron como El Arte Nuevo, un movimiento artístico ampliamente reconocido como claramente cubano.^{(cita necesaria)} Los jóvenes artistas nacidos después de la revolución se rebelaron contra el modernismo y abrazaron el arte conceptual, entre otros géneros. Muchos continuarían las tradiciones folclóricas y los motivos de la santería en sus expresiones individuales mientras infundían su mensaje con humor y burla.⁽³³⁾ The art took a qualitative leap by creating international art structured on African views, not from the outside like surrealism but from the inside, alive with the cultural-spiritual complexities of their own existence.

The exhibition Volumen Uno, in 1981, wrenched open the doors for The New Art. Participants, many of whom were still in school, created a typical generational backlash by artists of the previous generation including Alberto Jorge Carol, Nelson Dominguez, and César Leal, who went on the attack against the upstarts. The group, Volumen Uno – made up of Jose Bedia, Lucy Lippard, Ana Mendieta, Ricardo Brey, Leandro Soto, Juan Francisco Elso, Flavio Garciandia, Gustavo Perez Monzon, Rubin Torres Lloret, Gory (Rogelio Lopez Marin), and Tomas Sanchez – presented a "fresh eclectic mix filtered through informalism, pop, minimalism, conceptualism, performance, graffiti and Arte Povera reconfigured and reactivated … to be critically, ethically, and organically Cuban".⁽⁴²⁾

This age of artists was dedicated to people who were willing to take risks in their art and truly express themselves, rather than to express things that supported the political movement. While looking at the art of the 1980s we see a trend in the use of the shape of Cuba itself as inspiration for art. One-piece, Immediately Geographic by artist Florencio Gelabert Soto, is a sculpture in the shape of Cuba but is broken into many pieces. One interpretation could reflect the still unequal treatment towards artists, and the repression they were under. A movement that mirrored this artistic piece was underway in which the shape of Cuba became a token in the artwork in a phase known as "tokenization". This artwork often combined the shape of the island of Cuba with other attributes of the nation, such as the flag. By combining the various symbols of Cuba the artists were proudly proclaiming 'this is who we are'. Some art critics and historians however will argue that this was partially due to the isolated nature of the island, and that use of the island in artwork represented a feeling of being alone; as with all art, the intention of the artist can have many interpretations.⁽⁴³⁾

By the middle of the 1980s, another group of artists sought a more explicit political responsibility to "revive the mess", "revive the confusion", as Aldo Menendez incorporated into his 1988 installation. Accompanying Menéndez's installation was a note: "As you can see, this work is almost blank. I could only start it due to the lack of materials. Please help me." Here is the Cuban humor, the photo, "perhaps the most quintessentially Cuban expression".⁽⁴²⁾

Laughter became the antidote of anarchistic energy for and from the revolution; "one moment an aggressive undertow, then a jester's provocation, pressuring the tensions", wrote Rachel Weiss in To and from Utopia in the New Cuban Art.⁽⁴²⁾ "The photo is allergic to authority and prestige, the enemy of order in all its manifestations…civil disenchantment, the incredulous and mocking inner nature of the Cuban rises to the surface."⁽⁴²⁾ El photo, doing away with exactitude, tends to depict the extreme limits of an example. This sardonic Cuban humor has become as ubiquitous in Cuban art as the bright Caribbean colors of its palette. Eduardo Ponjuan, Glexis Novoa (of the ABTV group), Carlos Rodriguez Cardenas, Carlos Garaicoa, René Francisco and Enrique Silvestre⁽⁴⁴⁾ are exemplars of this sensibility, mixing it with kitsch and harkening back in time while identifying with current Cuban attitudes, liberating art on the eve of the Cuban 'special period', in which the Soviet Union withdrew its financial aid.

In 1990 the Cuban government began programs to stimulate the tourist trade as a means of offsetting the loss of Soviet support. In 1992 the constitution was amended^{(by whom?)} to allow and protect foreign-owned property, and in 1993 the dollar was permitted to circulate legally. In 1994 a cabinet-level department was created, the Ministry of Tourism, to further enhance tourism, which is Cuba's largest source of income.⁽⁴²⁾ The initial reaction of the artists, as well as the general population, was withdrawal; "Withdrawal from the public to the private…from the collective to the individual…from the epic to the mundane…from satire to metaphor…Withdrawal from controversy…withdrawal from confrontation".⁽⁴²⁾ But it was the withdrawal from conceptual to figurative art that defined the change in painting. Due in large measure to the interest of tourists, art took on higher-visibility, as well as returning to a more figurative mode of expression. Art also worked as space where Cubans debated some of the social problems magnified by the "Special Period", as illustrated by the Queloides art project, which deals with issues of race and discrimination.⁽⁴⁵⁾

"Every Cuban is an artist and every home is an art gallery," wrote Rachel Weiss in To and from Utopia in the New Cuban Art.⁽⁴²⁾

Political influences in Cuban art(edit)

"A question of major importance in Cuban culture is the link between radical political and artistic positions…where culture carries a marked social edge attuned to the circumstances in which it is produced and where it is forced to construct a national identity in the face of colonial and neo-colonial powers."⁽³³⁾

In the 1980s, when the New Cuban Art Movement was consolidating, many still hoped to establish the Third World utopia of social justice promised by the Cuban revolution. While Cuba shares many characteristics with other Latin American countries three factors guarantee it a unique placement amongst the formerly colonized countries of the Americas:

• Spain continued emigration to Cuba in large numbers until the middle of the 20th century
• The native population was eliminated in the 17th century
• Cuba possesses the most varied cultural traditions of all the African diaspora in America

"Although freedom of expression is nonexistent in Cuba, a certain amount of dissonance can be tolerated for recognized artists, at the right time and the right place, which basically means occasionally, in officially sanctioned (and controlled) venues, with very little (if any) spillover in the media. This keeps everybody on his or her toes and creates tension that is useful for the state. The global market seems to like its Cuban art with a dash of political irreverence, though many great works of Cuban artists sold abroad feature no obvious Cuban, Caribbean, or Latin American style or content. Cuban artists are often masters of double entendre and detachment (parody, irony, sarcasm, and pastiche). The regime can afford to appear moderately open-minded since this kind of art is mostly inconsequential on the island. It can be censored when it appears to be crossing the line, perhaps leaving the artist free to present it abroad and to exhibit some other works at home."⁽⁴⁶⁾

Religious influences in Cuban art(edit)

In addition to the Christian, predominately Catholic, four African Religions are continuing to influence culture being practiced in Cuba: Santeria (Yoruba), Palo Monte (Kongo), Regla Arara (Ewe Fon), and the secret, male-only, Abakua (Calabar). The African religions operate independently and synthesized with each other and the Christian religions (syncretism). These unique views of reality form a core of practices, beliefs, and customs that have shaped a cultural distinction labeled Afro-Cuban and known as the dominant force in Cuban art; a transracial, "hybridized, inventive, and influential in the construction of contemporary (Cuban) culture".⁽⁴⁷⁾

See also(edit)

References(edit)

External links(edit)